Le corps nu peut exprimer la passion ou l'indifférence. Pour ce dernier cas, essayez une lèvre mordue et un soutien-gorge en dentelle ou, si vous êtes au lit, soulevez un drap pour un peu de mystère.

Cependant, certains soutiennent que la nudité véhicule toujours une sorte de message dégradant. Pour tester cette théorie, nous avons examiné quelques célèbres peintures de femmes nues.

La Naissance de Vénus de Botticelli

La Naissance de Vénus, du maître de la Renaissance Sandro Botticelli, est devenue l'une des peintures les plus emblématiques de l'histoire de l'art. Le tableau représente une déesse aux courbes généreuses, parée de cheveux dorés flottants, debout sur un coquillage dérivant vers la côte de Chypre. Contrairement à ses contemporains plus célèbres comme Léonard de Vinci, Botticelli s'est inspiré de la mythologie antique plutôt que de l'histoire biblique pour son tableau.

L'image de la déesse est probablement dérivée de statues classiques. La qualité sculpturale de l’œuvre se reflète dans la pose modeste de Vénus et le modelé dur de sa chair, ainsi que dans le flot de sa longue chevelure blonde. L’œuvre est un symbole de l’amour, qui fait renaître la nature et la vie humaine. C’est la première fois depuis l’Antiquité qu’un corps nu féminin est exposé en Europe en dehors d’un contexte religieux.

Le tableau a été peint sur toile, une innovation qui a permis à l’œuvre de voyager sans crainte d’être endommagée. Il s’agit également de l’une des premières peintures de la Renaissance toscane à utiliser une fine tempera, composée de pigments mélangés à un liant soluble dans l’eau, comme le jaune d’œuf. La Naissance de Vénus a été commandée par la famille Médicis et est conservée dans la Galerie des Offices de Florence. Le tableau a inspiré de nombreux artistes modernes, dont Andy Warhol, Yin Xin et Awol Erizku. Il a également servi de modèle pour plusieurs séances de mode du photographe David LaChapelle et est une icône durable de la beauté féminine qui a résisté à l’épreuve du temps.

Les baigneuses de Cézanne

Cézanne s'est inspiré de ses propres expériences pour peindre les baigneuses et des œuvres d'artistes de la Renaissance. Bien qu'il se sente mal à l'aise pour peindre des nus d'après nature, il est fasciné par le thème des baigneuses et travaille sur ce groupe de tableaux tout au long de sa carrière.

Dans ce tableau, une baigneuse est allongée dans l'eau et un homme se lave à côté d'elle. La composition est asymétrique et équilibrée et présente l'utilisation magistrale de la couleur qui caractérise l'œuvre de Cézanne. Ses coups de pinceau créent une brume dans laquelle le ciel, l'eau et les arbres se fondent. En utilisant du bleu cobalt pour souligner les personnages, Cézanne souligne leur importance dans le tableau et les met en même temps en harmonie avec leur environnement naturel.

Comme Le Printemps de Sandro Botticelli et La Vénus sortant de la mer de Titien, ce tableau représente des corps féminins idéalisés en harmonie avec la nature. Cependant, contrairement à leurs prédécesseurs de l'histoire de l'art, Cézanne considérait ses personnages comme faisant partie d'un ensemble pictural plutôt que comme des représentations de la beauté corporelle.

Malgré son état brut, ce tableau est l’un des plus grands chefs-d’œuvre de Cézanne et a influencé les artistes modernes jusqu’au XXe siècle. Il a été exposé à l’exposition Venturi de 1936 à Paris et acheté par Paul Rosenberg et Mme Edith Chester Beatty la même année.

Nu féminin de Schiele

L’exposition commence par une sélection d’autoportraits nus puissants de Schiele et passe à sa production principale des années suivantes au cours desquelles il a repoussé les conventions artistiques pour offrir des expressions plus directes de l’expérience humaine souvent liées aux thèmes de la procréation, de la sexualité et de l’érotisme. Beaucoup de ces œuvres contrevenaient aux normes morales contemporaines et étaient considérées comme pornographiques.

L’exposition révèle à quel point ses dessins étaient influencés par la précision anatomique des œuvres de Klimt et de Kokoschka, mais en 1910, le jeune homme de 20 ans avait commencé à sacrifier cela au profit d’une approche plus évocatrice. Il tordait les corps dans des postures inconfortables et les colorait de roses, de verts et de gris maladifs. Ses figures émaciées et brûlantes semblent sur le point de s’effondrer – leurs membres tronqués et leurs os exposés sous une couche de chair.

Le langage corporel grotesquement sensuel de ces nus féminins a peut-être donné un sentiment de pouvoir aux femmes qui posaient pour eux, mais il semble aussi qu’il s’agissait d’explorations égoïstes de la sexualité masculine. En tant que l’un des rares artistes de son temps à représenter de telles figures, Schiele mettait ses spectateurs au défi d’accepter des contradictions audacieuses qui permettaient à la mort et à la vie, au bien et au mal, à la beauté et à la laideur de coexister dans une masse tordue de défauts humains et de sensualité brute.